Analog Collector - le blog

Comment j'ai découvert Michael Rabin

remivimard — Fri, 06 Apr 2012 11:00:00 GMT

Au tout début des années 1990, alors encore étudiant, je découvrais la musique classique et, grâce aux premières rééditions CD, les « enregistrements historiques ». Comme beaucoup d’autres discophiles parisiens, je hantais régulièrement les disquaires d’occasion du 5^e arrondissement quand, au sous-sol de l’un d’eux, je dénichai un coffret consacré aux enregistrements EMI (labels Columbia et Capitol) d’un certain Michael Rabin. En rentrant chez moi, je fus littéralement subjugué dès la première écoute ! Par delà l’acidité et la platitude de ces premiers supports numériques, je tombais sous le charme de cette plénitude de jeu et de ce timbre des plus voluptueux, quelle que soit la difficulté technique. Des semaines plus tard, grâce à un ami collectionneur, je basculais dans le monde merveilleux du vinyle où, à l’époque, il suffisait de faire les poubelles des beaux quartiers pour dénicher de véritables trésors. C’est chez un soldeur du Boul'mich qu’entre deux disques de Franck Pourcell et de Caravelli, je trouvais mon premier LP de Rabin : L’Archet magique, pressé en France par Pathé-Marconi. Tout ce que j’avais pressenti lors de l’écoute des médiocres CD était sublimé par ma modeste platine Thorens et mon vieil ampli McIntosh. J’avais bien découvert, par un heureux hasard, un des plus grands violonistes
du XXe siècle…

Enfant prodige

Michael Rabin est né le 2 mai 1936 à New York City. Son père, George, violoniste au Philharmonique de New York et sa mère, Jeanne, professeur de piano à la Juilliard School, décèlent l’oreille absolue de leur fils alors qu’il n’a que trois ans. Michael commence à étudier le piano, puis le violon, pour lequel ses dons sont tels qu’il intègre la classe du célèbre professeur Ivan Galamian à l’âge de neuf ans et se produit pour la première fois en public à Cuba sous la direction d’Arthur Rodzinski en 1947. En février 1950, après avoir gagné un concours, le jeune virtuose est programmé pour la première fois dans la célèbre salle de Carnegie Hall. Dimitri Mitropulos lui offre une place de soliste après avoir déclaré : « Voici vraiment le violoniste de génie de demain ; il a tout ce qu’il faut pour faire de lui un grand artiste et pour faire vibrer le monde musical. C’est un enfant béni et déjà entièrement voué à sa mission. » Le violoniste français Zino Francescatti, qui fait carrière aux États-Unis, recommande le prodige à son éditeur, la Columbia américaine, qui publiera, entre 1950 et 1953, ses trois premiers disques 25 cm. « Génial », « talent phénoménal », « sans aucune faiblesse », musiciens et critiques ne tarissent pas d’éloge sur le jeune prodige. Sa carrière est lancée. En 1952, il part en tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande, la Metro Goldwyn Mayer lui confie l’interprétation de la musique du film Rhapsody avec Liz Taylor.

Les années EMI

De 1955 à 1958, Michael Rabin enregistre pour la Columbia anglaise, filiale d’EMI dirigée par le célèbre producteur et directeur artistique Walter Legge. Après des débuts de virtuose, le violoniste américain atteint une forme de maturité. Faisant preuve d’humilité et de raffinement dans son engagement face au « grand » répertoire, il dévoile sa très grande musicalité. Le premier disque regroupe le Concerto n° 1 pour violon de Paganini et celui de Glazunov (33 CX 1281), suivent ensuite le Concerto pour violon de Tchaïkovski (33 CX 1422), la Fantaisie écossaise de Max Bruch (33 CX 1538) et le Concerto pour violon op. 64 de Mendelssohn (couplé à un Tzigane de Ravel d’anthologie 33 CX 1597). Ces enregistrements en tous points exceptionnels viennent d’être magnifiquement réédités en vinyle audiophile 180 grammes par le label britannique Testament.

Gloire et déchéance

La fin de l’année 1958 marque le début du contrat de Rabin avec la firme phonographique américaine Capitol, qui compte à son prestigieux catalogue des stars internationales comme Franck Sinatra. Rabin est donc une star du violon virtuose à Hollywood. Il enregistre l’intégrale des Caprices et le premier concerto de Paganini (Testament SP 8534) et deux disques de « petites « pièces, l’un avec accompagnement de piano (« Mosaics » Testament SP 8506), l’autre soutenu par l’orchestre du Hollywood Bowl (« The Magic Bow » Testament SP 8510).

Au début des années 1960, les concerts du violoniste commencent à décevoir les critiques qui trouvent que son jeu n’ est plus aussi brillant… Il est possible que l’enfant prodige, une fois devenu adulte, se soit lassé de toutes ces tournées et sollicitations diverses. Des rumeurs commencent à circuler sur ses addictions possibles à l’alcool et à la drogue, on évoque également la maladie mentale. Il est clair que Rabin ne semble pas avoir les ressources psychologiques pour supporter sa célébrité. Le déclin est alors en marche et le virtuose va être rapidement supplanté dans le cœur des mélomanes américains par la nouvelle génération de violonistes israéliens et asiatiques.

Le 19 janvier 1972, Michael Rabin est retrouvé mort dans son appartement new-yorkais. Selon la police et le professeur Ivan Galamian, le violoniste aurait glissé sur un tapis et sa tête aurait heurté une table. Le rapport du médecin légiste démontre que, bien qu’accidentelle, la chute aurait pu être provoquée par l’usage de barbituriques. Alors, suicide ?

Bien que quelques musiciens comme Perlman savent tout ce qu’ils doivent à l’héritage du grand violoniste américain, Michael Rabin a bien failli être oublié, le fameux New Grove Dictionary ne le mentionnant même pas. Il a fallu toute l’admiration et la clairvoyance d’une poignée de collectionneurs passionnés pour que de furtives rééditions apparaissent, d’abord en microsillons, puis à l’heure du compact disc pour que cet archet majeur retrouve enfin son rang. Nous nous réjouissons que les prix élevés, sur le marché de l’occasion, des vinyles originaux de Rabin aient poussé l’éditeur britannique Testament à nous restituer ces « galettes » dans le meilleur son possible pour un prix modique.

Archet magique

Pourquoi, quarante ans après sa mort, Michael Rabin est-il aujourd’hui encore comme un des plus grands archets du XXe siècle ? Même si son legs discographique est relativement réduit et ne couvre, à quelques exceptions près (Bach), que le répertoire dit « virtuose », l’évidente grâce absolue d’intonation, qui se dégage des interprétations du violoniste, peut nous laisser croire qu’une fois débarrassé de ses problèmes psychologiques, cet archet « magique » aurait certainement pu aborder avec sérénité et élégance le répertoire de musique de chambre et nous offrir ainsi, lors d’une deuxième vie, une musique plus lumineuse que brillante… Car le « son » Rabin, c’est la rencontre entre la voluptueuse beauté d’un timbre riche et chaleureux et la vélocité d’un engagement émotionnel aussi intense qu’envoûtant.

Rabin et les caprices de Paganini, une longue histoire

Quand Michael enregistre onze des vingt-quatre Caprices de Paganini les 19 et 25 mai 1950 pour le label américain Columbia, il vient d’avoir quatorze ans. Le résultat est tout simplement inouï et le succès foudroyant. La maîtrise technique de l’adolescent et sa virtuosité sont aussi ébouriffantes que sa musicalité intense.

À la fin de l’année 1958, Rabin inaugure son nouveau contrat avec l’éditeur américain Capitol avec l’enregistrement, complet cette fois, des 24 Caprices du grand maître italien. La légende veut que le compositeur génois ait passé un pacte avec le diable, ce qui expliquerait cette effrayante virtuosité. Il est clair pourtant que c’est bien le travail qui permit à Paganini d’atteindre un niveau technique alors encore inconnu pour cet instrument. Il est probable que le but de ces compositions soit, plus qu’une série d’études, un véritable manifeste de l’art du violon. La vision de Michael Rabin, grâce au dépassement de la pure virtuosité, nous révèle la véritable nature de la musicalité du compositeur italien. À juste titre devenue une véritable légende, cette première intégrale en stéréo – Ruggiero Ricci avait devancé l’américain quelques années plus tôt pour Decca, mais en mono – est si accomplie qu’elle en est peut-être définitive. À tel point qu’Itzhak Perlman dédia à Rabin son propre enregistrement des Caprices.

Réédition de l'enregistrement historique d'un trio de rêve

remivimard — Wed, 21 Mar 2012 11:36:00 GMT

Duke Ellington au piano, Charles Mingus à la contrebasse et Max Roach à la batterie, c’est le trio inespéré. On croit rêver en les voyant tous les trois, concentrés, sur la photo de couverture du disque Money Jungle enregistré en 1962. L’homme au chapeau, c’est Ellington, 63 ans, l’un des plus grands pianistes et compositeurs de jazz du XXe siècle, à l’intuition musicale imparable, qui a dirigé des orchestres pendants plus de quarante ans. Il a le sens des instrumentistes comme aucun autre. À côté de lui, à sa gauche, celui qui semble lire avec bienveillance la partition sur le piano, c’est Max Roach, 38 ans devant l’Éternel, un original, l’un des batteurs, percussionnistes et compositeurs les plus importants et innovants de l’ère be-bop, briseur de conventions musicales et enrôleur fameux de talents. Au fond, enfin, c’est Charles Mingus, 40 printemps, contrebassiste polyglotte, physique imposant, connu tant pour son irascibilité que pour son goût pour l’expérimentation, capable de pousser ses partenaires de workshops au-delà des limites du raisonnable. Il a déjà travaillé avec Roach dans les années 1950 et a beaucoup d’admiration pour le « Duke ».

Un trio piano-basse-batterie totalement inattendu

À l’époque, en plein hard-bop et début sérieux du free jazz, la musique de Duke Ellington paraît « démodée ». Ses glorieuses années au temps de la Prohibition sont loin. Aussi, il met le monde du jazz en ébullition lorsque son flair musical lui dicte d’enregistrer, non pas ses éternels standards avec un orchestre cousu de fil blanc, mais d’oser le rapport de force avec deux instrumentistes frondeurs, Mingus et Roach, dans un trio piano-basse-batterie totalement inattendu.

Historique, notre enregistrement l’est à plus d’un titre. Primo, ce ne sont pas les jeunots du trio qui vont dominer la situation, car dans sa carrière finissante Duke Ellington est loin d’avoir dit son dernier mot. L’écumeur du swing et des salles de danse a ici tout composé et imposé sa loi. Secundo, s’il a convoqué deux musiciens iconoclastes à l’époque, c’est qu’il veut se confronter à leurs velléités avant-gardistes. Tertio, ce disque n’aura aucune suite.

Money Jungle est un blues tonitruant que l’on pourrait classer entre le post-bop et l’avant-garde. Le joyau de cette réédition est la fragile et entêtante ballade Les fleurs africaines – African flower - où la contrebasse éthérée de Mingus côtoie la batterie troublante, quasi mystique, de Roach. Ce morceau, très court, est devenu depuis un incunable du jazz. Very special est un blues très vif, presque anguleux. Tout comme dans le tendre Warm Valley, le piano d’Ellington y est si évident, si direct, tellement en osmose avec le jeu de Mingus et Roach qu’on leur en veut beaucoup, à tous les trois, rétroactivement, de ne pas s’être rencontrés plus souvent. Très enlevé également, le blues Wig Wise déploie un tissu sonore complexe, très inspiré, orchestral et post-bop à tomber par terre. L’approche sauvage du tube d’Ellington, Caravan, est un véritable uppercut porté aux oreilles pour son audace musicale jamais prise en défaut. Enfin, Solitude qui clôture ce programme magique dans lequel Ellington tisse tout seul son canevas mélodique pendant plus de trois minutes, avant d’être rejoint par ses deux acolytes, nous rappelle à quel point il fut un extraordinaire créateur, capable de se plier en quatre pour révéler la substantifique moelle de sa propre musique. Avec ce disque, on entre en jazz comme on entre en religion. On sait désormais à quels saints se vouer.

Philippe Demeure
Pour Analog Collector

Technique : 07/10 – Enregistrement avec une acoustique agréable. Bon équilibre entre les instruments. Timbres un peu secs. Prise de son nettement meilleure que toutes celles des différentes rééditions en disques compacts parues depuis la fin des années 1980.

Speaker Corner réédite « Les Nuits d’été » et « Shéhérazade »

remivimard — Wed, 14 Mar 2012 15:13:00 GMT

Les Nuits d’été d’Hector Berlioz et Shéhérazade de Maurice Ravel appartiennent depuis longtemps aux tubes de la musique classique et il en existe, sur le marché, plusieurs dizaines de versions différentes. Speaker Corner réédite ces deux opus dans leur couplage d’origine, dans une présentation soignée comme il se doit. Retour sur la genèse de ces célèbres partitions et les nombreuses qualités de cet enregistrement.

Hector Berlioz (1803-1869) compose en général ses mélodies en réaction immédiate à la lecture de textes qui l’inspirent, ou parfois, à l’intention d’un chanteur pour un concert. Bon nombre de poètes figurent au nombre de ses amis, comme Alfred de Musset, Alfred de Vigny, Auguste Barbier, Gérard de Nerval ou bien encore Théophile Gautier. C’est dans un recueil de ce dernier, édité en 1838, la Comédie de la mort, que Berlioz choisit les six textes de ses Nuits d’été. Ce cycle de mélodies n’est pas composé sur commande, ou en vue d’un concert, mais simplement pour le plaisir d’écrire ce qui deviendra, jusqu’à aujourd’hui, l’une des créations les plus connues du compositeur.

En 1841, les Nuits d’été ne sont encore que six mélodies écrites initialement pour voix de ténor ou de mezzo-soprano avec accompagnement de piano. Elles ne seront complètement orchestrées qu’en 1856 et constituent le sommet de la production de mélodies de Berlioz, une réponse miraculeuse aux images d’amour nostalgique de Théophile Gautier, débutant sur une mélodie plutôt joyeuse et se refermant sur un rêve de terre lointaine. La version pour soprano et orchestre est la plus couramment jouée et enregistrée.

Berlioz, un musicien capable de traduire en musique une intense poésie

Villanelle est la plus charmante et la plus attrayante des six mélodies. Les quatre mélodies centrales adoptent un caractère plus mélancolique. Dans Le spectre de la rose, une élégante ligne mélodique cède à la fin la place à un récitatif fragmentaire simple et touchant. L’oppression funèbre de Sur les lagunes traduit le désespoir devant le vide absolu d’une vie sans amour vrai. La plainte lancinante d’Absence ou l’irréalité nocturne d’Au cimetière qui évoque « les ailes de la musique » sont là pour nous rappeler que Berlioz n’est pas un chef exacerbé à la tête de bataillons instrumentaux fracassants, comme se complaisent à tort à le dessiner les caricaturistes de son temps. Il est au contraire un musicien capable de traduire en musique une intense poésie et une fine émotion dans l’emploi retenu des masses et le choix délicat des timbres solistes comme il le fait dans les Nuits d’été.

Séparer le bon grain de l’ivraie parmi les multiples versions disponibles sur le marché – en disque compact avant tout – est difficile, car l’interprétation de ce « cycle », que ce soit avec Elly Ameling, Janet Baker, Suzanne Danco ou Jessye Norman pour les versions les plus anciennes ou avec Françoise Pollet, Suzan Graham, Véronique Gens pour les plus récentes, est souvent de très haute volée artistique.

La version chantée par Régine Crespin est peut-être la plus lyrique de toutes, et la façon remarquable dont sa voix se coule dans la mélodie est un véritable enchantement. L’inflexion, le port vocal, développés jusque dans le moindre détail, sont parfois si intimes qu’on a l’impression qu’elle nous dévoile un secret. Son émission puissante, claire et sa diction parfaite nous rappellent qu’elle fut l’une des très grandes sopranos du siècle dernier. L’orchestre préserve ces nombreuses qualités par son raffinement qui vibre à l’unisson avec la chanteuse. On comprend pourquoi cet enregistrement des Nuits d’été de 1963 reste encore aujourd’hui « historique » pour sa musicalité jamais prise en défaut.

Des vers mis en musique syllabe par syllabe

Près de soixante ans après l’écriture des Nuits d’été, Maurice Ravel (1875-1937) s’empare des poèmes en vers libres de Léon Leclère – wagnérien jusqu’au bout des doigts, ce dernier les signe « Tristan Klingsor » ! – pour composer Shéhérazade. Maurice Ravel s’est entiché de l’exotisme du texte et de la liberté métrique de ces vers. Ceux-ci sont mis en musique syllabe par syllabe et l’influence du Pelléas et Mélisande de Debussy y est évidente. Ravel se soucie aussi de traduire musicalement les finesses rythmiques des trois poèmes qu’il a sélectionnés, recherche qu’il poursuivra plus tard dans son opéra L’heure espagnole.

Le premier morceau, Asie, est le plus long et constitue une fantaisie orientale en plusieurs sections reliées par de brefs interludes. La flûte enchantée et L’indifférent sont plus courts. Le cycle subit alors une baisse régulière de tension, une gageure souvent difficile à tenir en musique, mais la beauté de la partition de Ravel est telle que le passage de la richesse voluptueuse d’Asie à la sensualité apaisée de L’indifférent séduit entièrement.

Régine Crespin a eu fort à faire avec les versions pionnières de Janine Micheau, « une gravure hallucinée et magistrale » pour le magasine Diapason, puis de Suzanne Danco, que ce soit avec Ansermet (1948) ou avec Charles Munch en concert, qui restent encore actuellement deux excellents crus.

Le chant de Régine Crespin, au style impeccable, va de l’avant sans traîner, sans solennité inutile et rend cet enregistrement de Shéhérazade incontournable. Son cœur appartient ici vraiment à la musique française. Le caractère élégiaque de la partition est parfaitement rendu par Ernest Ansermet dont la direction aérienne et la science des climats sont uniques en leur genre. Ceux qui chercheraient une version récente, digne d’être comparée à celle de Régine Crespin, se tourneront sans ambages vers celle de Felicity Lott, avec le même orchestre et Armin Jordan à la baguette.

Il y a derrière cette fort belle réédition un savant dosage entre poésie et fraîcheur, sensualité et émotion. Sans conteste, l’un des disques les plus touchants de Régine Crespin.

Philippe Demeure
Pour Analog Collector

Technique : 08/10 – Belle acoustique sonore avec du relief. Bon équilibre voix/orchestre. Dynamique conséquente.

Chet Baker - Interview de Frédéric Thomas, fondateur du label Sam Records

remivimard — Wed, 01 Feb 2012 09:01:00 GMT

Quelques mots sur Chet Baker

Chet Baker naît à Yale aux Etats-Unis 1929 et commence à étudier la musique dès l’adolescence, avant de se produire dans des orchestres de danse. Il joue en 1946 dans l’orchestre de l’armée américaine, stationné en Allemagne, et se passionne pour la vague Be bop et les orchestres blancs de l’époque, comme celui de Woody Hermann. Revenu à la vie civile, il fait ses premiers grands pas avec Stan Getz, Charlie Parker et surtout Gerry Mulligan, qui le convie à enregistrer avec lui, avant de créer son propre ensemble. Il devient rapidement célèbre pour ses sensuelles et longues improvisations à la trompette, toujours menées avec soin, qui font les délices des amateurs de jazz.

En 1954, Chet Baker est élu trompettiste de l'année par de nombreux magazines de jazz. Avec son quartet, il se rend en Europe en 1955 et sa sincérité enchante le public venu en nombre l’acclamer à ses concerts. Il signe un contrat avec le label Barclay et grave alors quelques-unes de ses meilleures faces. Traumatisé par la mort de son pianiste, Dick Twardzick, Chet Baker revient l’année suivante aux Etats-Unis, avec un style plus mature et moins délicat aussi, et enregistre pour le label Riverside. Il devient une véritable icône, apprend le bugle, à la sonorité plus ronde que la trompette, mais son addiction à l’héroïne commence à lui poser de sérieux problèmes avec la justice américaine. Il sera arrêté, emprisonné, voire expulsé des pays où il se produit, de nombreuses fois.

À partir de 1965, miné par la drogue et l’alcool, sa popularité est en berne. Victime d’un règlement de compte avec des dealers – mâchoire fracturée, dents cassées – en 1966, il sera privé de scène jusqu’en 1973. Il apprend à jouer avec un dentier, repart en Europe et enregistre de nombreux albums. Au début des années 1980, sa musique devient plus profonde, presque introvertie. Alors que ses qualités musicales sont au plus haut, Chet Baker décède mystérieusement en tombant de la fenêtre de sa chambre d'hôtelà Amsterdam, le 13 mai 1988, sous l’emprise de substances illicites.

Sam Records vient de rééditer en vinyle l’un des tout premiers disques européens de l’artiste, avec Dick Twardzik au piano, Jimmy Bond à la contrebasse et Peter Littman à la batterie. Nous avons rencontré à Paris le fondateur de ce jeune label, Frédéric Thomas, et l’avons interrogé sur l’aventure de cette réédition, ses méthodes de travail et ses projets.

Qu’est-ce qui vous a poussé à rééditer ce disque de Chet Baker ?

Il y a plusieurs raisons. La première, c’est qu’il s’agit de son premier disque enregistré en France lorsqu’il est arrivé en 1955. La seconde, c’est que ce disque est musicalement superbe et toutes les compositions sont fort bien jouées. La troisième, c’est la sensibilité à fleur de peau de tous les musiciens que l’on ressent tout au long de l’enregistrement. La dernière, c’est qu’il s’agit d’un album très important de Chet Baker, car il était, à cette époque, très ami et complice avec son pianiste, qui allait mourir d’une overdose quelque temps après l’enregistrement. Chet devra donc créer une nouvelle formation. J’ajouterais enfin que ce disque de Chet, avec Dick Twardzik, est aujourd’hui totalement introuvable en vinyle sur le marché de l’occasion. Ce pressage de Chet a dû passer deux fois seulement en salle des ventes en dix ans. Il a été réédité une seule fois en vinyle, à ma connaissance, en Espagne, et j’estime à une centaine le nombre d’exemplaires en circulation sur le marché ou dans les collections de disques microsillons des amoureux de jazz.

Que représente-t-il dans la carrière du musicien ?

C’est un disque sur lequel Chet ne chante pas, ce qui est très différent de ce qu’il a fait auparavant pour le label Pacific aux Etats-Unis. Il ne chantera du reste sur aucun de ses disques réalisés en France. C’est aussi un disque charnière. Dans son opus suivant, on a l’impression que le trompettiste n’est plus le même. Visiblement, la mort tragique de son pianiste l’a beaucoup marqué. Outre la disloquation du Quartet, à laquelle a conduit cette disparition brutale, je dirais que Chet allait perdre un peu sa sensibilité. Le monde s’est écroulé et le trompettiste se mettra ensuite à boire et à se droguer toujours plus.

Comment qualifieriez-vous la « Chet Baker's touch » de cette époque ?

C’est presque un musicien qui fait l’amour avec sa trompette ! [rires]. Miles Davis faisait aussi la même chose, d’une certaine façon, mais Chet le fait avec davantage de douceur, de rondeur, plus de souplesse aussi. Il susurre la musique. Il chantait du reste de la même façon qu’il jouait de la trompette.

Comment déterminez vous le choix des disques que vous rééditez ?

Il faut que ça me plaise et que l’enregistrement soit vraiment une rareté.

La pochette du disque est très soignée. Comment avez-vous vous fait ?

J’ai déjà réédité un disque du saxophoniste Nathan Davis, en 2006, avec un imprimeur de grande qualité. Je tenais à trouver un prestataire capable de réaliser une pochette à rabats, soignée, comme ce qui se faisait dans les années 1950 et 1960. Comme j’ai été très content de cette collaboration, j’ai choisi le même imprimeur pour le disque de Chet Baker.

Pour le visuel, ma longue expérience de professionnel de l’image m’a été très utile. J’ai directement contacté l’auteur de la photo, Jean-Pierre Leloir, et la rencontre s’est très bien passée. On a parlé très peu d’argent et discuté pendant près de deux heures de musique et de photographie. Bref, nous nous sommes très bien entendus. J’ai eu accès directement à ses négatifs. Jean-Pierre est malheureusement décédé alors que la réédition du disque de Chet Baker était déjà lancée, mais j’ai continué à avoir accès à son fonds d’images grâce à sa fille et à son assistant.

Je reproduis les pochettes de mes rééditions à l’identique mais, pour la photographie de couverture, je tiens toujours à repartir soit du négatif original, soit d’un bon tirage papier, voire d’un scan du négatif, et je refuse de me contenter d’un fac-similé comme n’hésitent pas à le faire certains éditeurs peu scrupuleux.

En ce qui concerne la typographie, tous les textes ont été tapés avec la police d’époque et il ne s’agit en aucun cas d’un simple scan d’une pochette ancienne. J’ai tout fait pour reproduire la pochette originale de 1955 avec des techniques d’impression les plus modernes.

Parlez-nous de la partie « masterisation » de cette aventure discographique.

Cette étape a été assez longue et compliquée, car on ne trouve plus guère en France de techniciens du son capables de travailler uniquement en analogique. L’idéal aurait été d’aller aux Etats-Unis, car c’est là-bas que l’on trouve les meilleurs spécialistes de l’analogique, éventuellement en Allemagne ou en Angleterre. Comme je n’avais pas l’autorisation de sortir les bandes de l’enregistrement de France, j’ai opté pour leur numérisation en haute définition dans un studio parisien avant de faire préparer des laques pour le pressage du vinyle par François Terrazzoni, qui a fait des prises de son pour les labels Decca et Philips dans les années 1970. Le résultat est très réussi, de l’avis de tous ceux qui ont écouté le produit final. L’objectif initial était d’être le plus proche possible du pressage des années 1950, bien qu’il y ait toujours des petites pertes d’informations musicales avec des bandes qui ont plus de cinquante ans. Aucune compression n’a été apportée au son, pas de dynamique ajoutée non plus. On a juste parfois modulé les extrêmes aigus et les extrêmes graves.

Quelles sont les contraintes ?

Si les bandes sont très bien conservées, ce qui a été le cas, et qu’on les confie à un technicien de talent, on arrive facilement à un bon résultat.

Comment voyez-vous la place du vinyle aujourd’hui ?

Il s’agit d’une toute petite niche. Il y a deux types de vinyles aujourd’hui : ceux réalisés à partir d’un disque compact, en dépit du bon sens, aux résultats sonores hasardeux ou similaires au CD, sans que ne soient payés aucun droit d’auteur, ni aux artistes ni aux auteurs des photographies des pochettes ou à leurs ayant-droits. On enlève les logos des labels d’origine, le nom des photographes et c’est ni vu, ni connu ! C’est environ 80 % des rééditions de disques de jazz en vinyle aujourd’hui. C’est tout simplement du pillage, le plus souvent de catalogues américains et européens. Et puis il y a les pressages de qualité, comme ceux de Speakers Corner en Allemagne, qui sont réalisés à partir des bandes analogiques originales. Les pochettes sont imprimées à partir des photographies et des documents d’époque. Ces disques sont au final de beaux objets que l’on prend vraiment plaisir à regarder et à écouter.

Après la réédition du disque de Chet Baker, vous vous êtes attelé à celle d’un enregistrement de Lester Young – un musicien pour lequel Chet avait beaucoup d’admiration – réalisé aussi à Paris. C’est tout frais. Parlez-nous en.

C’est le dernier disque de Lester Young, enregistré le 4 mars 1959 dans les studios Barclay, à Paris. À l’époque, Lester Young était fatigué, vieilli, rongé par l’alcool et ne mangeait quasiment plus. On sent cette usure à l’écoute de cette publication. Il allait mourir quinze jours après ! Mais, c’est pourtant bien Lester Young, c’est bien lui qui pleure avec son saxophone. Ce n’est pas son meilleur disque, certes, mais c’est un témoignage très émouvant du très grand artiste qu’il a été auparavant. C’est comme les derniers disques du saxophoniste Coleman Hawkins ou de la chanteuse Billie Holiday, ça compte et c’est fort. Curieusement, ce disque de Lester n’est pas tout de suite sorti en France mais uniquement aux Etats-Unis, avec une qualité sonore assez mauvaise. Le son du pressage américain est très étouffé par rapport au son du pressage européen. Les bandes originales de l’enregistrement final ont semble-t-il disparu. Je suis donc parti d’une copie de 1975, un « mono-mono ». C’est à dire qu’on lit les bandes uniquement sur la voie de droite ou de gauche. Il a donc fallu dupliquer la piste mono, lors de la phase de numérisation des bandes, sur l’autre voie. On a remonté un peu le niveau du saxophone de Lester Young pour retrouver une cohérence sur son placement par rapport aux autres musiciens, ce qui a pris du temps, afin de se rapprocher les plus possible de ce que l’on pouvait entendre sur les bandes originales.

Quel est votre prochain projet de réédition ?

Je compte rééditer un disque du saxophoniste Barney Wilen enregistré pour la Guilde du jazz en 1957. Je ne pourrai pas, hélas, a priori, partir des bandes originales, mais d’un vinyle en parfaite condition. Les éventuelles imperfections seront entièrement nettoyées lors de la phase de numérisation.

Propos recueillis par Philippe Demeure pour Analog Collector

Note technique : 07/10 – Prise de son très intelligible et instruments bien intégrés dans l’acoustique des studios de l’époque. Du relief. Le résultat est étonnant compte-tenu des contraintes de départ.

2012

remivimard — Tue, 10 Jan 2012 21:04:00 GMT

Bonjour à tous,

Je profite tout d’abord de ce petit message pour souhaiter une très bonne année 2012 à ceux que je n’ai pas encore vus au magasin.

Veuillez noter, s’il vous plaît les nouveaux horaires du magasin à partir du mois de février : le magasin sera ouvert les lundi, mardi, jeudi, vendredi et samedi de 13h à 19h, et fermé le mercredi et le dimanche.

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L’année commence plutôt bien du côté des rééditions vinyles. Comme vous le savez, ce secteur est en plein essor et les mélomanes qui découvrent ou redécouvrent ce support sont toujours plus nombreux…

Coup de cœur du mois pour ce nouvel opus de la grande Nina Simone chez PURE PLEASURE !
Captée en décembre 1961 dans l’intimité du célèbre club de Manhattan le Village Gate, la grande chanteuse, accompagnée de son guitariste favori, Al Schackman, se montre aussi à l’aise dans le pur jazz que dans des thèmes plus folk ou gospel. Mais Nina Simone n’est pas seulement une grande chanteuse noire de plus, car l’élégance et la perfection de son jeu au piano (n’oublions pas que sans la ségrégation de l’époque elle aurait pu faire une carrière de soliste classique) illumine d’une beauté complexe un thème comme Bye Bye Blackbird, qui paraît pourtant si simple…
Cet enregistrement sur le vif a été superbement remasterisé en analogique par Sean Magee dans les célèbres studios d’Abbey Road.
Un pur moment d’émotion et de grande musicalité, comme l’ont certainement ressenti les spectateurs du club new-yorkais il y a 51 ans !

Chez l’éditeur allemand SPEAKERS CORNER, retrouvons le chef d’orchestre Eugen Jochum dans son répertoire de prédilection. Dès l’âge de 23 ans, il faisait ses débuts avec Bruckner, et il lui demeura fidèle tout au long de sa carrière. Enregistrant pour laDeutsche Grammophon une intégrale des symphonies qui fit date, Jochum est encore considéré aujourd’hui comme l’un des meilleurs spécialistes du grand compositeur romantique. Le disque ici présent propose un enregistrement de la 5^e symphonie du compositeur autrichien datant du printemps 1964. Il règne une atmosphère quasi-mystique dans cette interprétation, la sonorité de l’orchestre du Concertgebouw d’Amsterdam étant sublimée par l’acoustique toute particulière de l’abbaye bénédictine d’Ottobeuren.
En complément de programme, si j’ose dire, la 36^e symphonie de Mozart nous prouve, s’il en était besoin, à quel point Jochum était un mozartien né…

Toujours chez SPEAKERS CORNER, l’album Solitude de Billie Holiday. Datant de 1952, ce beau disque fait partie des sessions enregistrées pour le label de Norman Granz avec les musiciens « maison » : Oscar Peterson, Barney Kessel, Ray Brown, Flip Philips, Charlie Shavers et Alvin Stoller. Reconnaissable entre mille, la fragile voix éraillée, toujours au bord de l’évanouissement, de Lady Day égrène ici de Blue Moon à These Foolish Things certains des plus beaux standards du jazz vocal américain.

45 TOURS QUAND TU NOUS TIENS !

Même si c’est la crise et que vous avez déjà Ella & Louis, le Body & Soul de Billie Holiday ou le Best Of de Sam Cooke en multiples versions 33 tours, courez vous les offrir en réédition double 45 tours de chez ANALOGUE PRODUCTIONS. Quand la copie dépasse l’original, il faut bien que le collectionneur que je suis range sa cellule mono dans sa boîte et mette sa vieille galette au mur (car, quand même, la pochette…).

QUATRE NOUVELLES REEDITIONS BLUE NOTE CHEZ HEAVENLY SWEETNESS

Le jeune éditeur français nous restitue en 180 g quelques perles du prestigieux catalogue américain.

Mon coup de coeur perso pour le magnifique album Stick Up du vibraphoniste Bobby Hutcherson (eh oui, y’a pas que Lionel Hampton dans la vie !) avec Joe Henderson et McCoy Tyner, du grand Blue Note d’avant la fin…

Un Freddie Hubbard, Breaking Point, et un Brother Jack McDuff Moon Rappin, méconnus mais à découvrir…

Pour finir, le fameux Matador de Kenny Dorham avec Jackie Mc Lean, paru à l’origine sur le label United Artists.

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Côté Hi-Fi, vous trouverez désormais en écoute permanente l’ampli intégré Dartzeel CTH 8550, qui allie élégance et raffinement à la plus grande universalité en termes de mariage avec une paire d’enceintes… N’hésitez pas à prendre rendez-vous pour une écoute approfondie.

Pour ceux qui écoutent encore des CD (je vois tout de suite les foudres du Dieu Analogique s’abattrent sur son plus fidèle défenseur !), une bonne nouvelle avec l’arrivée au magasin du lecteur Playback Designs MPS-3. Vous pourrez ainsi vous rendre compte par vous-même que, si un CD ne « sonne » pas comme un vinyle, il peut néanmoins vous faire redécouvrir votre discothèque numérique et vous donner ainsi beaucoup de plaisir. En plus, vous pouvez y connecter votre ordinateur et écouter de la musique dématérialisée (là, tout le monde se dit : ça y est, Analog touche le fond !).

Noël en musique

remivimard — Thu, 08 Dec 2011 11:21:00 GMT

En ce mois de décembre généralement dédié aux cadeaux, je vous propose de vous faire plaisir parmi cette avalanche de nouveautés.

Commençons par un projet éditorial de grande classe. Le collectionneur Antoine de Beaupré a eu l’idée de regrouper dans un magnifique livre les 52 œuvres utilisées comme pochettes de disques (de 1955 à 2005) du grand peintre Mati Klarwein, en y intégrant un double album vinyle d’un concert de Miles Davis en 1969, resté inédit sur ce support. Vous connaissez tous la célèbre pochette du Bitches Brew de Miles, mais l’occasion vous est donnée, avec ce magnifique objet de collection (tirage numéroté limité à 500 exemplaires), de voyager à travers l’œuvre de cet artiste baroque, héritier de Salvador Dalí et créateur du surréalisme psychédélique. En couverture du double album se trouve le tableau Zonked, un portrait de Betty Davis, l’ex-femme du trompettiste, célèbre chanteuse qui fit découvrir à son époux le funk de Sly Stone et le rock psychédélique de Hendrix. Miles avait commandé au peintre allemand ce portrait en vue d'illustrer l’un de ses disques, mais y renonça par la suite, pour cause de séparation, jugeant à l’époque sa belle comme « trop jeune et sauvage » pour lui.

Le programme du concert de Copenhague en 1969 :

Disque 1 / Face A : 1- Directions. 2- Miles Runs The Voodoo Down. Face B : 1- Bitches brew.Disque 2 / Face C : 1- Agitation. 2- I Fall In Love to Easily. 3- Sanctuary. Face D : 1- It's about That Time / The Theme

Les musiciens : Miles Davis (trompette), Wayne Shorter (saxophone), Chick Corea (piano électrique), Jack DeJohnette (batterie), Dave Holland (contrebasse).

Le double album est vendu exclusivement avec le livre.
Le prix en souscription est de 290 €.

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Chez l’éditeur allemand SPEAKERS CORNER

- Du blues pur et dur avec le retour au catalogue du premier disque (1969) du célèbre guitariste albinos Johnny Winter (Columbia CS 9826). Avec Edgar Winter, Walter 'Shakey' Horton, Willie Dixon…

- Le concert du « Duke » à Newport en 1958. Ellington y est, comme toujours, merveilleusement entouré de Johnny Hodges et Paul Gonsalves, mais vient s’ajouter un invité de marque en la personne de Gerry Mulligan. Historique ! (Columbia CS 8072)

- Joli doublé pour les cinéphiles amateurs de bandes originales, avec deux références signées Henri Mancini : Breakfast At Tiffany's (RCA LSP-2362), avec son hit planétaire Moon River et le non moins fameux thème de la « Panthère rose » (RCA LSP-2795 The Pink Panther).

- Avec la sortie de l’intégrale de La Belle au bois dormant (Decca SXL 2160-62), célèbre ballet de Tchaikovsky, Speakers Corner renoue avec ses amours de jeunesse, s’étant fait connaître il y a plus de dix ans pour ses rééditions des fameux enregistrements stéréophoniques DECCA. Retrouvez ici toutes les couleurs et la flamboyance de l’Orchestre de la Suisse Romande sous la direction d’Ernest Ansermet, dans une prise de son de 1959 qui… décoiffe son homme !

- Rappelons l’élégant disque de la formation de chambre Italienne I MUSICI dans l’Adagio de Barber, les Airs anciens et danses pour luth de Resphigi, les Danses populaires roumaines de Béla Bartók et la Simple Symphony Opus 4 de Benjamin Britten (Philips 835096 AY). Vous trouverez la chronique détaillée de ce disque sur le blog du magasin : http://remivimard.canalblog.com/archives/2011/10/03/22223445.html

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 Restons outre-Rhin, avec deux nouvelles parutions chez CLEARAUDIO, qui exploite toujours les archives de l’éditeur à l’étiquette jaune.

Les concertos pour violon de Mozart interprétés et dirigés par le grand violoniste allemand Wolfgang Schneiderhan (DGG SLPM 139 463).

Et, pour les amateurs de chants grégoriens, la Troisième Messe de Noël sous la direction du père Godehard Joppich de l’abbaye des Bénédictins (ARCHIV 4778041). Cette version érudite et documentée, qui renouvelle le genre, cherche à "rendre aux mélodies l’originalité de leur prestance sonore rythmo-agogique".

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Vous n’aurez pas besoin de traverser la Manche pour acquérir les nouveautés de l’éditeur britannique PURE PLEASURE

- Je dois dire que la découverte de la version de You Don’t Know What Love Is par Cassandra Wilson a été pour moi un pur moment d’émotion. Si vous êtes, vous aussi, passé à côté de ce bijou parce qu’il n’existait jusqu’à présent que sur un vulgaire CD (enregistrement de 1993), je vous encourage vivement à réparer cette erreur… Blue Light’ Til Dawn, double album (PPAN BST 81357).

- Pour rester sur les voix chaudes et rocailleuses, je vous propose d’écouter ce magnifique Snowbound de l’immense Sarah Vaughan (PPAN R52091), un must pour les longues soirées hivernales qui approchent…

- Retour au catalogue du classique Kansas City Revisited du tromboniste Bob Brookmeyer, accompagné par Al Cohn, Paul Quinichette, Jim Hall… (PPAN UAL4008).

- Du blues anglais, avec Smiling Like I’m Happy de l’harmoniciste et chanteur Duster Bennett. On retrouve, sur cet album enregistré aux studios CBS de Londres en 1968 et produit par Mike Vernon pour le mythique label Blue Horizon, des membres du Fleetwood Mac (Duster Bennett, Stella Sutton, Peter Green, John McVie, Mick Fleetwood, Ham Richmond – PP 7-63208).

- Suites des rééditions en vinyles de Keb’Mo, avec Suitcase, son opus de 2006 (PPAN 77621).

- Le 9e album de Mary Black, Speaking With The Angel (1999), plus acoustique que son précédent Shine, revient aux racines de la chanteuse. (PPAN 014)

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ANALOGUE PRODUCTION poursuit son travail de restauration du catalogue IMPULSE, avec ses fabuleuses rééditions en double album 45t (meilleure dynamique et résolution) et nous permet ainsi d’apprécier à quel point cet éditeur de légende était précurseur en terme d’audiophilie !

- Enormes coups de cœur personnels pour le Ballads & Blues de McCoy Tyner (AS AIPJ 39) et le The Voice That Is (AS AIPJ 74) du crooner Johnny Hartman.

- Les aficionados du Trane se régaleront tout autant avec la sublime version de Song Of Praise, sur l’album The John Coltrane Quartet Plays(AIPJ 85), qu’avec l’hommage de son batteur Elvin Jones (AIPJ88), Dear John C.

- Retrouvez également ces titres méconnus de trois géants du jazz : Salt And Pepper, de Sonny Stitt & Paul Gonzalves (AS AIPJ 52), Wrapped Tight, de Coleman Hawkins (AS AIPJ 87) et Art Blakey !!!!! Jazz Messengers !!!! (AS AIPJ 7).

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Je vous parlais, la dernière fois que j’ai eu le temps de vous écrire un mot, de cette nouvelle association entre le label ANALOGUE PRODUCTION, d’une part, et l’équipe de fabrication de QUALITY RECORD PRESSINGS, d’autre part. Voici la suite des rééditions, toutes de la plus haute qualité qui soit, au format 33 T.

- Jimmy Witherspoon & Ben Webster, Roots (AS AAPP 6057)
- Tony Joe White, Homemade Ice Cream (AS AAPP 2708)
- Freddie King, Texas Canonball (AS AAPB 8913)
- Freddie King, Getting Ready… (AS AAPB 8905)
- RAY CHARLES, Genious + Soul Jazz (AS AAPP 2)
- RAY CHARLES & BETTY CARTER (AS AAPP 385)
- RAY CHARLES, Live (AS AAPP 500)
- Mon favori : Ben Webster, Gentle Ben (AS AAPJ 040), très beau disque de ballades, avec le pianiste catalan Tete Montoliou.

L'inauguration, avec ces deux premiers titres des 25 rééditions du prestigieux catalogueVERVE, toujours par ANALOGUE PRODUCTION et QUALITY RECORD PRESSINGS, mais cette fois en format 45 T.

Autant dire que, même si vous l’avez déjà écoutée mille fois pour régler votre chaîne Hi-Fi (ou tout simplement pour le plaisir, il y en a qui le font), vous n’avez pourtant jamais entendu comme cela la contrebasse de Ray Brown sur l’introduction de You Look Good To Me, premier thème de la face B du disque intitulé We Get Requests du Trio d’OscarPeterson ! (AS AVRPJ 8606)

De même, la présence et le naturel de la voix de Joao Gilberto, associée à la finesse du saxo du Dolphin vous sautera aux esgourdes comme jamais ! Stan Getz & Joao Gilberto (AS AVRPJ 8545)

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Terminons cette sélection de Noël par un double coup de cœur pour des enregistrements qui ne sont pas à proprement parler audiophiles, mais entrés dans la légende du jazz des années 50. Le nouvel éditeur Sam Records a mis un point d’honneur à ce que leurs rééditions soient des plus soignées, tant sur le plan sonore que sur le plan visuel.

Il s’agit, d’une part, de l’une des sessions mythiques que Chet Baker a enregistrées en France pour le label Barclay avec le fabuleux pianiste Dick Twardzick. Non seulement le son est très beau pour un enregistrement monophonique qui a bientôt soixante ans, mais Fred Thomas (Monsieur Sam Records) a poussé le vice (ou la vertu) jusqu’à repartir du négatif de la célèbre photo de Jean-Pierre Leloir pour faire une pochette quasiment plus belle que l’originale.

Saluons, d’autre part, le retour d’un autre témoignage historique capté en France à cette époque où notre pays servait de terre d’accueil (pour ne pas dire d’asile) à ces musiciens noirs américains mal compris et surtout assez peu respectés au pays du jazz et des libertés. Le Dernier Message de Lester Young, enregistré le 4 mars 1959 au Studio Barclay (avec Kenny Clarke, Jimmy Gourley, Jamil Nasser et René Urtréger), s’écoute comme un véritable chant du Cygne : le saxophoniste américain décèdera d’une crise cardiaque quelques jours plus tard (le 15 mars 1959). Dans cette dernière session bouleversante, le Président, bien que très affaibli, fait preuve d’une grâce absolue, qui ne nous rappelle que trop celle de sa dame de cœur, j’ai nommé Billie Holiday…

Ces deux disques magnifiques, pressés en 180 g chez Pallas, en Allemagne, avec inserts de photos supplémentaires, sont édités à 750 exemplaires (pour le monde), autant dire qu’ils sont déjà collectors !

 Voilà de quoi remplir, je l’espère, la hotte du vieux monsieur à la barbe blanche et tout de rouge vêtu…

Cordialement,
Rémi Vimard

Chronique de disque : I Musici par Speakers Corner

remivimard — Mon, 03 Oct 2011 12:42:00 GMT

En 1952, la création d’I Musici à Rome marque un tournant dans l’interprétation du répertoire baroque, que l’on redécouvre depuis peu. Pour la première fois, on allait jouer au XXe siècle cette musique avec un visage totalement nouveau, en limitant le nombre de pupitres à onze instruments à cordes et un clavecin. Cet ensemble, qui joue sans chef, doit sa fondation au célèbre violoniste italien Remy Principe (1889-1977), également professeur à l’Académie Sainte-Cécile, qui, au tout début des années 1950, incite ses étudiants à jouer la musique de Vivaldi et de ses contemporains avec grâce, entrain et légèreté. Qui n’a jamais entendu les Quatre Saisons du Prêtre Roux dans l'une des six affriolantes versions d’I Musici publiées entre 1955 et 1995 ? Au fil des ans, les pupitres se sont renouvelés et l’ensemble a élargi son répertoire à la musique du XXe siècle, comme en témoigne cette réédition par Speakers Corner d’un enregistrement réalisé en 1961 par le label Philips et consacré aux compositeurs Ottorino Respighi, Samuel Barber, Béla Bartók et Benjamin Britten.

Dans la « renaissance » de la musique italienne au XXe siècle, Ottorino Respighi (1879-1936) occupe une place de premier ordre. Loin de l’avant-garde de son époque, il allie pureté et rigueur à une conception très sensuelle de l’écriture musicale, tout en restant fidèle au poème symphonique. Détenteur d’un solide métier, sa parfaite connaissance de l'orchestre et son goût prononcé pour le chatoiement orchestral sont immédiatement reconnaissables. Il est parfois proche des compositeurs dits « impressionnistes » dans sa transposition sonore de l'impression sensible. Respighi apprécie enfin les modes archaïques et orientaux, qu’il manie à la perfection. Cette synthèse d'éléments classiques, postromantiques et modernes, toujours judicieusement agencés, révèle toute sa splendeur dans les Airs anciens et danses pour luth que Respighi a orchestrés avec un remarquable savoir-faire.

De son côté, la musique de Samuel Barber (1910-1981) déploie une grande maîtrise compositionnelle construite à partir de sensibilités et de structures davantage tournées vers le romantisme. Elle est lyrique, sophistiquée du point de vue rythmique et riche en harmonies. Assez variée – elle touche tous les domaines de composition : mélodie, sérénade, symphonie, quatuor… –, cette musique sera défendue par des artistes et chefs d'orchestre de renom, comme Vladimir Horowitz, Arturo Toscanini, Dmitri Mitropoulos ou Leontyne Price, pour ne citer qu’eux. Pourtant, trente ans après sa mort, Barber reste, pour de nombreux mélomanes, avant tout le compositeur de l’Adagio pour cordes, une transcription voluptueuse et sensuelle d’un mouvement de son Quatuor à cordes n° 1 Opus 11 composé en 1936, connue dans le monde entier, à travers notamment le cinéma – Elephant Man de David Lynch, Platoon d’Oliver Stone… –, et fréquemment jouée en concert. Il s’agit d’un long flot mélodique traversé de subtiles modulations qui évoquent par instants Mahler. Le compositeur arrangea aussi ce morceau pour un chœur à huit voix en 1967, sous le titre d’Agnus Dei.

Les Danses populaires roumaines de Béla Bartók (1881-1945) ont d'abord été écrites pour piano à quatre mains en 1915. Ce n'est qu'en 1917 que Bartók décide, en raison de leur succès, d’en réaliser une transcription pour petit orchestre. Avec cet arrangement, il souhaite préserver le caractère intime et enlevé de ces danses, basées sur des mélodies populaires roumaines, en évitant l'obstacle de l'orchestre symphonique. Le génie de Bartók aura été d’harmoniser chaque mélodie différemment les unes des autres et de respecter les modes et échelles propres à cette musique. Bref, cette ravissante succession de courtes pièces caractéristiques nous invite à un très agréable voyage en terre roumaine.

Benjamin Britten (1913-1976) nous a laissé un héritage musical plutôt « conventionnel », à l’écart de tout courant avant-gardiste, préférant rendre hommage aux musiques du Moyen Âge et au bel canto. Créée en 1934, la Simple Symphony Opus 4 est une œuvre d’ambition et de dimensions modestes. Écrite en quatre mouvements pour un orchestre à cordes, elle utilise des thèmes empruntés à des œuvres de jeunesse du compositeur. Le Frolicsome Finale (« Finale espiègle ») avec ses allures haydniennes est particulièrement savoureux !

Cet attrayant programme nous offre une vision totalement nouvelle d’I Musici, que l’on associe trop souvent aux seules Quatre Saisons de Vivaldi. L’interprétation ne mérite que des éloges. C’est mordant et souple à la fois, l’allure est spontanée et rien ne vient jamais altérer le grain des cordes. La finesse des détails, la décontraction dans la respiration, la sobriété des attaques, tout est posé, mesuré, et l’on ne s’ennuie jamais. Dans l’Adagio de Barber, les I Musici donnent une dimension quasi-mystique au tube du compositeur américain. Dans les Airs anciens et danses pour luth de Respighi, nos Italiens imposent une approche théâtrale sans édulcorant, donnant au texte une affable saveur. Les Danses populaires roumaines de Bartók leur offrent l’occasion d’imposer leur science du timbre avec une bonhomie bien sympathique. On sera tout aussi enthousiaste avec la Simple Symphony de Britten aux sonorités charnues comme il se doit. Si l’on s’enivre aisément de ce beau vinyle, on a, en revanche, bien du mal à le quitter !

Philippe Demeure, journaliste
pour Analog Collector

Note technique : 8/10. Acoustique naturelle. Prise de son précise et équilibrée.

Abondance de biens ne nuit pas

remivimard — Thu, 22 Sep 2011 09:07:00 GMT

L’été nous a apporté son lot de nouveautés et septembre n’est pas en reste. Je vous propose donc de faire un point sur la très riche actualité des sorties vinyles audiophiles de la rentrée.

Chez l’éditeur anglais PURE PLEASURE

Le fameux Chet Baker & Strings.
Un coffret très hot de trois disques Vanguard Chicago The Blues Today !
Le beau Great Jazz Standards du Gil Evans Orchestra, avec le trop méconnu Johnny Coles à la trompette.

Trois titres récents apparaissent pour la première fois en vinyles : Pointless Nostalgic, l’album qui révéla Jamie Cullum, et The Boy Next Door, où Stacey Kent reprend un thème cher à tous les Français amateurs de Charles Trenet ou de François Truffaut : Que reste-t-il de nos amours ; enfin, le double album Folk Art, du quintette de Joe Lovano, avec la nouvelle égérie de la scène jazz : la contrebassiste Esperanza Spaulding.

Chez SPEAKERS CORNER RECORDS

L’immense pianiste Sviatoslav Richter est à l’honneur. Après nous avoir restitué dans un son magnifique ses concertos de Liszt, l’éditeur allemand nous donne à redécouvrir les sonates pour violoncelle et piano de Beethoven, où Richter et son comparse Rostropovitch forment un duo quasi inégalé pour son « romantisme flamboyant ».

Mais la surprise vient, peut-être encore plus, du disque Chostakovitch. En effet, tout le monde connaît ses symphonies ou ses quatuors à cordes, mais sa musique pour piano… Je vous laisse le plaisir de lire le très bel article du journaliste Philippe Demeure au sujet de ce disque précieux (au sens de rare), un peu plus bas sur la page de ce blog.

Les fans du son si particulier de l’orgue Hammond B3, se jetteront sur ce Bashin’ du spécialiste de cet instrument Jimmy Smith.

Quant aux amoureux de guitare, ils seront comblés par le disque (peu connu) de Baden Powell enregistré en Allemagne et par ce Nothing But The Blues au titre évocateur de Monsieur Herb Ellis, accompagné à l’occasion par, excusez du peu, Stan Getz, Roy Eldridge et Ray Brown !

Vous qui êtes amateur de jazz vous connaissiez le thème Dat Dere de Bobby Timmons, mais saviez-vous que les paroles étaient d’Oscar Brown Jr ? Alors, il ne vous reste plus qu’à écouter son album Sin & Soul paru sur le label Columbia…

J’ai été bavard, mais la musique dont je vous parle ne l’est pas ! Je reviendrai donc dans quelque temps sur la suite de la publication par le label anglais TESTAMENT du legs discographique du grand violoniste américain Michael Rabin. Je vous raconterai à l’occasion mon coup de cœur (datant d’une bonne vingtaine d’année) pour cet artiste encore trop mal connu en France.

Chez ANALOGUE PRODUCTIONS

Pour finir, le label célèbre pour ses hallucinantes rééditions BLUE NOTE en double 45t, associé à QUALITY RECORD PRESSING pour la fabrication, nous embarque dans une zone encore insoupçonnée de perfection analogique. Car, en effet, jamais ces deux piliers de l’audiophilie n’ont mieux sonné qu’aujourd’hui.

Le célébrissime Tea for the Tillerman de Cat Stevens (en version 33tours 200g). L’ingénieur du son de l’époque, George Marino, nous apprend que, la bande Master étant en parfait état de conservation, il a eu très peu de travail à effectuer lors du remastering analogique et que le produit fini gagne en richesse et naturel par rapport à l’original (déjà magnifique).

L'un des plus beaux albums de Blues acoustique qui soit, le Folk Singer de Muddy Waters, sort en version double 45t, dans un son totalement ébouriffant qui ferait passer les autres rééditions de ce hit pour du MP3 ! Courez je vous dis…

Chronique de disque : Chostakovitch, chez Speakers Corner

remivimard — Thu, 08 Sep 2011 11:45:00 GMT

Dmitri Chostakovitch (1906-1975) a longtemps fait l’objet de débats contradictoires. Encensé ou méprisé, il a divisé la critique. Trop formaliste, pas assez « moderne » pour les uns, véritable acte de foi personnel traduisant parfaitement l'âme russe pour les autres, sa musique a eu pendant des décennies ses contempteurs et ses partisans. Aujourd’hui, ces débats paraissent bien stériles et Chostakovitch s’est imposé au fil des ans comme un compositeur majeur du XXe siècle. Revenons sur la carrière de ce musicien hors norme à l’occasion de la réédition en vinyle, par l’éditeur allemand Speakers Corner, des six Préludes et Fugues de l’opus 87 enregistrés en 1963 par Sviatoslav Richter pour le label Philips.

Né dans une famille russe cultivée, Chostakovitch se forme très jeune à la musique, au conservatoire de Petrograd, où il suit les cours de Nikolaiev pour le piano et de Steinberg pour la composition. Enfant précoce, il commence à écrire de la musique dès l’âge de dix ans, ce qui émerveille son entourage. Dans les années 1920, on le considère comme un compositeur d’avant-garde, tant dans ses propres œuvres que dans celles qu’il joue ou fait connaître à ses contemporains. Créée en 1926, sa Première symphonie lui vaut une renommée internationale. Les célèbres chefs d’orchestre Bruno Walter ou Leopold Stokowski n’hésiteront pas du reste à la donner en concert respectivement à Berlin et Philadelphia.

Mais le ton acide et moderne de ses premières œuvres symphoniques et lyriques d’envergure déplaît fortement à Staline, ce qui vaut à Chostakovitch un sévère rappel à l’ordre dans la Pravda en 1936 pour l’« immoralité » de sa musique. Il perd dès lors son enthousiasme, nombre de ses illusions et se voit contraint de transiger désormais avec le régime, ce qui lui sera longtemps reproché. Il est vrai que le poste de premier secrétaire de l’Union des compositeurs soviétiques qu’il occupera à partir de 1960 – après avoir consacré les années précédentes surtout à la composition – fera de lui l’un des artistes les plus dévoués à la cause soviétique, sans compter les nombreux prix qu’il aura reçu dans son pays : « Artiste du peuple de l’URSS » en 1954, « Prix Lénine » en 1958... Ses mémoires posthumes, publiées à l’Ouest, dévoileront toutefois le terrible drame des contraintes idéologiques qu’il aura dû endurer pour tenir une position équilibrée entre les œuvres nationalistes de circonstance et les exigences de sa propre et riche inspiration musicale.

Son style a beaucoup évolué : de ses premières pages expérimentales marquées par le contact avec la musique occidentale – Bartok, Berg, Schoenberg notamment – comme les opéras Le Nez et Lady Macbeth du district de Mtsenk aux ultimes symphonies et quatuors à cordes tout aussi sombres et déchirés que portés par une belle noblesse et un humanisme généreux, il y a un grand pas, des retournements, des remises en cause, des interrogations propres à tout artiste de talent.

Son œuvre comprend cent quarante-sept numéros d'opus avec principalement des symphonies, des quatuors à cordes, des concertos, des mélodies, trois opéras, trois ballets, de nombreuses musiques de chambre, de scènes et de films. Comparée aux symphonies et aux quatuors à cordes, analysés et commentés à de multiples reprises, souvent enregistrés et donnés régulièrement en concert dans le monde entier, l’œuvre pour piano de Chostakovitch est aujourd’hui négligée et encore très méconnue du public occidental, peut-être parce qu’elle occupe une place modeste dans son corpus musical. Notre compositeur est pourtant un excellent pianiste et auteur de pièces d’envergure pour cet instrument. Chostakovitch se produit d’ailleurs souvent tant dans le grand répertoire que dans ses œuvres personnelles. Il obtient même un diplôme d’honneur au premier Concours Chopin à Varsovie en 1927. On lui doit, entre autres, deux sonates – l’Opus 12 de 1926 et l’Opus 61 de 1943 - dans lesquelles il développe, en particulier dans la première, d’étonnantes recherches futuristes et constructivistes qui n’ont rien à envier à la musique la plus avant-gardiste de leur temps, des danses, de brefs Aphorismes empreints de modernité, un Cahier d’enfant, un Concertino pour deux pianos et surtout un cycle de Vingt-quatre Préludes, écrit en 1933, un équivalent moderne aux Préludes de Chopin, suivi, près de vingt ans plus tard, par les Vingt-quatre Préludes et Fugues de l’Opus 87 composés en hommage à Bach.

C’est après avoir assisté aux concerts du Bicentenaire de la naissance de Bach, en 1950 à Leipzig, que Chostakovitch entreprend d’écrire ce cycle de Préludes et Fugues. Il mène ce projet à bien en moins de quatre mois ! Il y dépasse souvent la pure abstraction musicale, chère au Cantor de Leipzig, au profit d’une musique très sensuelle, d’un hommage poétique au Clavier bien tempéré dont il s’inspire. Tout coule ici naturellement et promène l’auditeur à travers une large palette de sentiments. Le cycle complet est créé en décembre 1951, à Leningrad, par la pianiste russe Tatiana Nikolaeva qui le jouera toute sa vie. Pour Alexander Melnikov, qui a gravé pour Harmonia Mundi, en 2009, une intégrale remarquée, l’Opus 87 « exprime la voix d’un homme tourmenté, qui trouve encore et encore, encore et toujours la force d’affronter la vie telle qu’elle est, dans toute sa diversité, sa laideur et parfois sa beauté ».

Ami de Prokofiev et Rostropovitch, virtuose accompli, sensible, intelligent, éternel ambassadeur de la musique russe dont il raffolait, Sviatoslav Richter fait partie des rares pianistes de légende qui ont abordé ce cycle – seuls les Préludes et Fugues n°s 4, 12, 14, 15, 17 et 23 ont été ici retenus – et défié sur son propre terrain Tatiana Nikolaeva, son interprète attitrée. Il a toujours jugé primordial de « retrouver intacte, le cœur, la vérité nue de l’auteur qui créa [l’]œuvre ». Pendant près de quarante-cinq minutes, on baigne dans un rêve qui ne cesse jamais de nous émerveiller. Avec son jeu tour à tour vif-argent et délicat, sa ligne racée et claire, Richter nous offre une véritable leçon de tenue, une leçon de justesse, une leçon de sincérité. D’humanité et d’engagement aussi. L’architecture musicale est toujours fort bien dessinée. Un superbe moment de grâce pianistique !

Philippe Demeure, journaliste
pour Analog Collector

Note technique : 8/10. Bonne définition et transparence. Le piano est enregistré à une distance idéale ce qui lui donne un très agréable volume sonore.

Grand nettoyage de printemps !

remivimard — Mon, 30 May 2011 14:17:00 GMT

Nous l'attendions, vous l’attendiez depuis longtemps… j'ai bien sûr nommé la machine à nettoyer les vinyles Audio Desk Vinyl Cleaner.

Révolutionnaire !
Cette ingénieuse machine haut de gamme nettoie les disques en profondeur à l'aide d'ultrasons. Fini les frottements et l’usure d’une brosse, sans parler des aspirations agressives et bruyantes…
Le disque passe dans un bain d’ultrasons, mélange d’eau distillée et d’agent nettoyant doux. Il est ensuite séché lentement et délicatement sans se charger en électricité statique.
Six minutes plus tard, le disque ressort comme neuf.

L’opération est entièrement automatique, les deux faces sont nettoyées simultanément, la plus petite particule de saleté incrustée dans la profondeur du sillon sera éliminée grâce aux ultrasons. Cette forme innovante de nettoyage, qui fait appel aux procédés utilisés dans l’univers médical, est non seulement plus performante quant au recul du bruit de fond et à l’élimination des bruits parasites (électricité statique, humidité, encrassement dû à un mauvais nettoyage…), mais elle est également plus respectueuse de vos précieuses « galettes ». La surface du vinyle n’est plus brossée puis aspirée comme dans les autres procédés de nettoyage traditionnel, ici tout se fait dans la douceur…

Prix de la version standard : 2 200 €.

Si une démonstration vous tente, n’hésitez pas à nous rendre visite, le premier nettoyage vous sera offert.